Актуальность джаза

Из года в год, начиная репортаж об очередном фестивале Jazz in Kiev, подбираю синонимы к словам об "удавшемся празднике джаза". А что делать? Эта фраза первой приходит на язык при попытке как-то подытожить ощущения.

Он опять удался. Просто как констатация. (Несмотря на ожидание праздника, которое ведь, как известно, часто и портит само событие.)

Шесть концертов в три вечера с неизменно полным залом, неистовыми овациями и выходом на бис в конце.

Пятый полуюбилейный фестиваль закрепил перемену качества, наметившуюся в прошлом году. От звезд, которыми болели в молодости, - к актуальным музыкантам.

С некоторых пор в джазовом мире укрепилось словцо, уже, пожалуй, термин – "актуальный джаз" (или "актуальные музыканты"), – который, по-видимому, не имеет соответствия, скажем, в сфере классической или поп-музыки. Речь не идет о популярности или тем более злободневности (каковые ассоциации возможны с этим словом), вообще не о том, что определяется спросом или модой.

Актуальная музыка – музыка, которая создается в настоящее время в силу настоятельности творческого самовыражения.

Открытие фестиваля было в некоторой степени знаменательным, поскольку первой на фестивальную сцену вышла чисто украинская команда Kiev Big Band, коллектив, который дал свой первый концерт менее года назад (точная дата – 9 декабря прошлого года).

Kiev Big Band. Солирует Дмитрий Александров

Выступление на фестивале – "наш пик", как выразился со сцены тенор-саксофонист и неофициальный исполнительный директор оркестра Дмитрий Александров, обращаясь со словами благодарности к организаторам и публике.

И дело не только в количестве последней и именитости других участников фестиваля, но и в пресловутой актуальности, ведь благодаря спонсорству организаторов фестиваля в аранжировках известного американского аранжировщика Майкла Филиппа Моссмана прозвучали вещи собственного сочинения музыкантов биг-бэнда – Валентина Корниенко, Дмитрия Александрова, Дениса Аду, Алексея Саранчина, а также покойного киевского джазового гитариста Владимира Шабалтаса.

Не обошлось и без джазовых стандартов, при исполнении которых к оркестру присоединилась его солистка, певица Ольга Лукачева. Все было здорово, впрочем, как обычно, хотя и не без некоторой скованности, как мне показалось, в отдельных соло. Завершил Kiev Big Band свой фестивальный дебют на бис также стандартом All of Me. Надо надеяться, что взятый пик для оркестра – выход на международную арену, но пока на своем поле – не предельный.

Секстет Miles Smiles

Далее настал черед музыкантов, которых без обиняков принято именовать "звездами": трубач Уоллес Рони, органист Джоуи ДеФранческо, гитарист Ларри Корриелл, саксофонист Рик Маргица, бас-гитарист Ральф Армстронг и барабанщик Омар Хаким. Все вместе – проект Miles Smiles, как очевидно из названия, посвященный памяти выдающегося джазового музыканта Майлса Дейвиса, но, главное, все они в прошлом в разное время были его партнерами.

Уоллес Рони

На вопрос, почему именно эти из множества партнеров Дейвиса, инициатор проекта Уоллес Рони объяснил, в секстете собрались музыканты, которых связывали особые отношения с Дейвисом и которых он сам высоко ценил: органист ДеФранческо – просто его любимый музыкант, Ларри Корриелла он считал одним из лучших гитаристов мира. Сам Рони, как известно, единственный прямой ученик великого Майлса, который в совершенстве овладел стилем своего учителя, за что ему, впрочем, иногда доставалось от критиков.

Само название проекта скорее подсказано игрой слов, и никаких особых концептуальных объяснений от Уоллеса Рони я не услышал. Во всяком случае, выступление великолепной шестерки условно можно назвать джазом высших индивидуальных достижений, поскольку оно стало демонстрацией высочайшего индивидуального мастерства импровизации, которое поочередно обнаруживали участники секстета (Армстронг и Хаким солировали лишь по разу).

Драйв и еще раз драйв особенно, что касается ДеФранческо и Корриелла, плюс оттенок дейвисовской засурдиненной медитативности у Рони и некоторой рефлексивности у Маргицы.

Второй вечер оказался самым востребованным – попросту говоря, проданы были все билеты – и одновременно самым контрастным по характеру музыки. Первое отделение обещало быть камерным, а вышло еще более камерным, поскольку трио шведского контрабасиста Ларса Даниэльссона волею обстоятельств превратилось в дуэт ввиду неприлета барабанщика Магнуса Острьома, так что музыкантам пришлось перестраиваться не только психологически, но и программно.

Должен был прозвучать великолепный последний альбом Даниэльссона Liberetto, записанный в составе квинтета в этом году, который автор считает своим лучшим. Формат трио при замене пианиста – Лешек Можджер вместо Тиграна Хамасяна – создавал интригу, по сути новую интерпретацию произведения, которое без преувеличения производит впечатление совершенства. Но отсутствие барабанщика, видимо, сделало невозможным осуществление этого замысла.

Ларс Даниэльссон и Лешек Можджер

Ларс Даниэльссон и поляк Лешек Можджер (который уже неоднократно бывал с концертами в Киеве) – давние партнеры. Случай замечательного совпадения и взаимопонимания с первой творческой встречи, что объясняется, как полагает Даниэльссон, классическим образованием и неослабевающим интересом к классике. Можджер хорошо известен своими джазовыми интерпретациями классики, в особенности Шопена. А Даниэльссон – сам создатель симфонических произведений, которые исполнялись оркестром под его управлением. На вопрос, нет ли у него в планах джазовой обработки классики, он сказал, что, пожалуй, подумает над этим.

Даниэльссона давно принято характеризовать как глубокого лирика, что в дуэте с Можджером особенно ощутимо. На счету партнеров шесть совместных альбомов, так что поменять пластинку было несложно. Исполнялись вещи с альбомов Passodoble, Tarantella, The Time. Судя по реакции публики, долго не опускавшей музыкантов, срочные изменения в репертуаре ничуть не сказались на качестве.

Совсем иным по характеру и темпераменту было выступление японской пианистки Хироми Уэхары вместе с бас-гитаристом Энтони Джексоном и барабанщиком Саймоном Филипсом.

Хироми Уэхара

Прозвучали композиции с двух свежих альбомов Hiromi Trio Project – Voice (2011) и Move (2012). Пожалуй, этот концерт можно назвать центральным на фестивале именно по силе произведенного впечатления. В таких случаях говорят: это надо видеть.

Хироми Уэхара – пианистка феноменальной техники и силы. Среди своих любимых пианистов она назвала Эрролла Гарнера, которого в свое именовали за виртуозность человеком с десятью руками. Впрочем, эта симпатия легко просматривается в игре самой японской пианистки. Можно сказать, что Хироми – это Эрролл Гарнер с темпераментом Джимми Хендрикса. Кстати вспомнить, что ее первые альбомы записаны в стиле фьюжн, причем скорее рок, чем джаз.

Последний день фестиваля был посвящен почти полностью акустической музыке. Сначала прозвучал проект американского вибрафониста Майка Майниери "Северное сияние" с участием норвежских музыкантов Бендика Хофсета (тенор-саксофон), Буге Весселтофта (рояль), Арилда Андерсена (контрабас), Аудуна Кляйве (барабаны).

Mike Mainieri Nothern Lights

Легче всего охарактеризовать эту музыку как world music с сильными визуальными ассоциациями, отвечающими названию не в точном смысле северного сияния, конечно, но в смысле особо ощущения холодного пространства, присущего скандинавской музыке, например, Гарбарека или того Даниэльссона.

Рэнди Брекер

Завершила фестиваль еще одна команда американских звезд: Кенни Вернер – рояль, Рэнди Брекер – труба, Дейвид Санчес – тенор-саксофон, Антонио Санчес – барабаны, Скотт Колли – контрабас. Звучали композиции частью с последних альбомов Кенни Вернера Baloons и Democracy, частью – еще не записанные.

По контрасту с американским секстетом Уоллеса Рони, выступившим в первый вечер, квинтет Кенни Вернера демонстрировал скорее именно слаженную коллективную работу даже несмотря на привычную схему поочередной импровизации солистов – духовых и пианиста. Здесь все индивидуальное мастерство было направлено скорее не на драйв, а на углубление темы и настроения то лирического, то медитативного. Лично мне это выступление на фестивале наряду с концертом дуэта Даниэльссона-Можджера показалось музыкально самым глубоким и проникновенным.

Антонио Санчес

Нельзя не отметить еще одно чрезвычайно интересное событие на фестивале – два мастер-класса, которые дали перед своим концертом (!) барабанщик Антонио Санчес и пианист Кенни Вернер, каждый из которых сам по себе был, можно сказать, произведением особого искусства – музыкально-педагогического. Мастер-классы – ежегодное приложение к фестивалю.

Кенни Вернер, Скотт Колли и Дейвид Санчес

Но за пять лет именно эти два показались мне самыми интересными и ценными, возможно, даже не столько в профессиональном музыкальном отношении, сколько в человеческом.

Антонио завершая свой "академический час" высказал свое нравственное кредо как музыканта: в первую очередь музыкант должен уважать музыку, затем – других музыкантов, и в последнюю очередь – думать о себе.

Совсем другими словами, но удивительно в рифму то же самое сказал Кенни Вернер. Играть и сочинять музыку надо так, как будто ты наблюдаешь за ней и слышать прежде всего других музыкантов.

Пожалуй, в этом смысле также особенно уместно говорить об актуальности джаза.

Все фото Алексея Карповича